Продать картину
Оценка картин

© 2016 - 2019  Все права защищены

Авторские права

Карта сайта

НАШИ КОНТАКТЫ: 

+ 7 495 970 39 89

г. Москва, Маршала Жукова 54

ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И ИНФОРМАЦИЯ: 

1/8

КАРТИНЫ СОЦРЕАЛИЗМ И СОЦ-АРТ

АВАНГАРД 60х ГОДОВ

ОЦЕНИТЬ КАРТИНУ

Социалистический реализм и соц-арт является неотъемлемой частью коллекции онлайн галереи «АVАНГАРДЪ» и огромным, просто выдающимся наследием культуры и искусства Советского Союза.

Построение социализма было основной задачей, поставленной коммунистической партией перед советским народом после Октябрьской революции. Учитывая сильное влияние искусства на сознание человека, теоретики марксизма-ленинизма решили использовать его, поставить на службу воплощению социалистических идей в реальную жизнь, превратить культуру в инструмент для активного вовлечения человека в строительство социалистического строя. Идеи соцреализма пропагандировались во всех странах, идущих по пути социалистического развития.  Основными принципами соцреалистического искусства были народность, идейность, а также конкретность. В своем творчестве мастера должны были прославлять человека труда, коммунистическую партию, счастливую жизнь советских людей, которые с оптимизмом движутся вперед. В живописи это все должно было демонстрироваться посредством отражения на холсте светлой реальности, успехов и достижений строителей коммунизма. Всячески поощрялось стремление приукрасить настоящую жизнь народа.

Впервые понятие «соцреализм» было использовано М. Горьким на I съезде советских писателей в 1934 году, где и получило официальный статус. В дальнейшем оно было внесено в устав Союза писателей, однако его формулировка была размытой и малопонятной. Можно отследить динамику революционного движения вперед, эволюцию человека на пути к коммунизму по сюжету литературного произведения. Тем не менее, как именно это требование соцреализма можно было отобразить на картине, было непонятно. Рассматриваемый термин был принят обществом и стал применяться ко всем видам искусства. 

Теория социалистического реализма служила правящему в стране классу, умело использовалась для пропаганды политики марксистско-ленинской концепции, а также для внедрения в массы государственных идей. Творчество художников должно было пропагандировать эти идеи через искусство, исполняя государственные заказы. Безусловно, официально это не озвучивалось, поскольку стремление служить идеалам социализма, как бы само собой должно было исходить от сердца, присутствовать в работах мастеров, воодушевленных этой великой идеей. Творчество полностью ограничивалось рамками, определяющими не только, что писать, но и как писать. Искусство, при мнимой творческой свободе, строго и всецело контролировалось сверху. Люди, совершенно далекие от понимания прекрасного, оценивали работы художников, используя идеологические критерии. Если работа имела идеологический стержень, она принималась, считалась достойной для демонстрации, пропагандировалась на выставках, а автор получал награды и известность. Творчество, не отвечающего принципам соцреализма, объявлялось враждебным, бездарным и вредным. Художники преследовались, подвергались террору, объявлялись врагами народа. Именно такими способами осуществлялся постоянный контроль над творческим процессом властных структур государства. Большую роль в отборе угодных и неугодных материалов играли критики.  Выступая от имени народа, они оценивали художественную ценность работы, исходя из требований идеологической пропаганды. Критические статьи имели очень большое влияние на общественное сознание. Они могли морально уничтожить писателя или художника как профессионала и человека, подавить его талант, очернить или унизить как мастера слова или кисти, повесить клеймо врага народа и призвать советских людей к общественному презрению. Многие талантливые люди в то время ощутили на себе пресс критики ретивых служителей соцреализма в искусстве.

В послереволюционное время существовало несколько художественных организаций, имеющих различные направления в живописи. Достаточно вспомнить авангардистов первой волны, объединение «Четыре искусства», «Леф», «НОЖ» и прочие. Однако самым многочисленным и влиятельным в то время была АХРР - Ассоциация художников революционной России. Именно в этой организации выполнялись заказы государства. Главными ее покровителями были Красная Армия, Революционно-военный Совет и другие государственные структуры, обладающие силой и влиянием. Декларацией прописывалась обязательность выполнения социального заказа членами ассоциации, осуществлялась своеобразная госзакупка, государство направляло для АХРР материальные средства. Все другие художественные сообщества в 1932 году были принудительно закрыты за ненадобностью и бесполезностью, и только АХРР, пропагандирующая социалистический реализм, без метафор, иносказаний, прямо и открыто, имела право на существование и деятельность. 

Искусство соцреализма требовало строго соблюдения иерархии изобразительных жанров. Во главе стоит тема произведения, причем с правильно выделенными моментами. Сюжетная линия привязана к героическому прошлому, ведущему в счастливое настоящее, или к самому настоящему. Таким образом отражалась революционная динамика, исповедуемая теорией социалистического реализма.  Также желательным считалось, если в произведении было отражено противоборство двух классов. Враждебные советскому человеку силы в картинах изображались темными красками или наделялись соответствующими эпитетами. Они выглядели в глазах зрителя или читателя зловеще, имели непривлекательный и отталкивающий вид. В свою очередь, положительные герои располагались на первом плане картины или литературного произведения. Для передачи их образов использовалась светлая цветовая гамма и яркие тона. Например, это можно увидеть на картинах Н. Чебаткова «Павлик Морозов» или П. Соколовской «Братья».

Живопись периода соцреализма охватывает большой исторический отрезок времени. Создаются картины, отображающие послереволюционный период, здесь же присутствуют полотна исторические, а также посвященные темам войны и военной жизни. Особо отличаются полотна, отражающие счастливую, обеспеченную жизнь людей в социалистическом обществе. Пластовское изобилие в «Колхозном празднике» перекликается с этой же темой в кинематографии – например, в «Кубанских казаках» Герасимова. Тема изобилия особенно приветствовалась в соцреализме, так как показывала достижения существующего строя, его преимущества и победы. 

Особые требования предъявлялись и к такому жанру изобразительного искусства как пейзаж. Если рисовались картины природы, то обязательно должны чувствоваться масштаб и приволье. На картине «Лето красное» В. Смирнова, нарисованные в глубине картины поля одновременно с красотой природы выступают символом богатства, зажиточности, благоденствия, присущих сельскому хозяйству в эпоху социализма. Одним из требований жанра было расположение композиции в горизонтальном измерении, что ассоциируется с результатом уже свершившегося успеха и достижениями. Очень часто использовался метод гиперболизации. Он давал возможность показать гигантские возможности социализма через призму больших строек и проектов. Изображенные на картинах фрагменты строек Уралмаша, Турксиба, Беломоро-Балтийского канала свидетельствовали о больших возможностях, открывающихся при социализме. За счет применения специальных художественных приемов изображение кажется помпезнее и тяжелее, представляя мощь возводимых объектов.

Лучше всего такие картины удавались у художников бывшего общества «Бубновый валет», в творчестве которых определяющим элементом была материальная сущность. Материальность чувствуется и в картинах – портретах. Особенно это присуще женским портретам, элементам одежды, украшениям. Портретная живопись соцреализма направлена на изображение лиц людей, имеющих заслуги перед Родиной и народом. Картины изображали знаменитостей за работой – в лаборатории, операционной, над картой, перед создаваемой скульптурой. Наиболее известным портретистом 30-х годов прошлого века был М. Нестеров. А его учеником, П. Кориным, были созданы портреты Г. Жукова, М. Горького, Л. Леонидова, которые по монументальности напоминали памятники.

Элементы монументальности использовались даже в жанре натюрморта.  Все это объяснялось стремлением показать обилие, богатство, достаточность. «Советские хлебы» и другие тематические натюрморты И. Машкова демонстрировали сытую жизнь советских людей. И. Машков также входил в состав «Бубновых валетов», что в очередной раз подчеркивает характерную особенность их творчества – материальность. Натюрмортам «бубновца» П. Кончаловского также присуще предметное богатство на полотнах. Таким образом, монументализм присутствует во всех жанрах изобразительного искусства социалистического реализма. Полотна тяжелеют от изображения больших, крепких фигур. На картинах размещают крупные, мощные женские фигуры. Изящность, хрупкость образа не допустима. Женщины представлялись как уверенные, сильные, здоровые строители нового общества. Само изобразительное искусство становится тяжелым, грузным, насыщенным.

Умеренность также является характерной чертой живописи того времени. Нельзя сделать мазок очень густым – тогда не видна работа автора. Необходимо показать, что автор работал над картиной, а значит должны быть следы работы кисти. Картина получается более рельефной. Но излишнее мастерство говорит о стремлении художника показать себя, отличиться от остальных, выделиться. А это было чревато в условиях тотальной идеологической борьбы с формализмом, как с чуждым и вредным явлением. 

Тем не менее, для выполнения различных задач требуется использование различных приемов. Для картин лирического плана подходит «дождливый» импрессионизм западных художников. Если его используют в своих картинах советские художники, но на фоне победоносных достижений и социалистического «громадья», то это вполне допустимо. Также подбные художественные приемы допускались в случае изображения видных деятелей государства (И. Сталина и К. Ворошилова) на полотне большого формата любимым художником И. Сталина А. Герасимовым. Картина вызывала много толков, вопросов, но задавать их в такое тревожное время было нельзя. Если такой метод позволяет показать вождей близкими к народу, обычными людьми, находящимися в непринужденной, дружественной обстановке общения друг с другом посредством создаваемой «дождливости», значит данный метод приемлем и допустим. Однако данный импрессионистский прием не мог использоваться при изображении на картине официальных мероприятий – парадов, смотров, съездов и прочих.

Социалистический реализм служит продвижению советского общества к вершинам социализма, имеет направленность в будущее. А будущее – это победа социализма. Таким образом, элементы будущего уже присутствуют в настоящем, то есть в жанре социалистического реализма время смыкается. Будущее уже сейчас представлено настоящим, а за его пределами уже ничего нет. Время, история останавливаются. Как на картине А. Дейнеки «Стахановцы», где изображенные в белом идущие люди, кажутся сошедшими с небес. Взгляды их устремлены в вечность, так же, как и они сами. 

В период 1936 – 1938 годов соцреализм достигает своего апогея. Сталин на картинах художников Ф. Модорова, В. Орешникова, Ф. Решетникова появляется как библейский персонаж, явившийся народу. Параллель не совсем корректная, но в сознании людей она откладывается. В это время социалистический реализм становится «большим стилем», стилем тоталитарной утопии, но утопии состоявшейся. Поэтому стиль отпадает как отживший свое, он замирает, ему на смену приходит монументальная академизация. Все остальные направления монументальной живописи предаются забвению, не замечаются, убираются «в шкаф», хотя художники, сохраняя культурные навыки, продолжают свою работу, используя старые подходы и установленные приемы. Однако все это не получает широкой огласки, не доходит до зрителя и поэтому скоро затихает. Так произошло с Мастерской монументальной живописи при архитектурной Академии. В ней работали маститые художники старой школы – ее руководитель Л. Бруни, а также В. Фаворский, К. Истомин, Л. Чернышов, которые проделали огромную, актуальную и на сегодняшний день работу по разработке темы синтеза искусств на базе архитектуры.  Тем не менее, невзирая на это, вскоре Мастерская была закрыта. 

Не имеет логического объяснения следующий парадокс. Вся теория соцреализма пронизана якобы заботой о человеке, во всех партийных документах на первом месте стоит слово «человек», его благополучие и интерес. Но на самом деле соцреализм исполняет функцию мифического освободителя человечества, стремится перестроить его на новый лад. Значимость человека при такой масштабной патетике, несомненно, сводится к нулю. Однако отдельные художники, не говорящие открыто о филантропии, в своем творчестве поднимают значимость человека и призывают каждого рассматривать как личность. Такое «подшкафное» искусство, пронизанное идеями гуманизма и человечности, остается в тени. 

После завершения сталинской эпохи, в середине ХХ столетия появляются попытки оторваться от вселенского масштаба и развернуться к человеку. Соцреализм хочет вернуть себе человеческое лицо.  Интересны картины Ф. Решетникова «Опять двойка» и «Прибыл на каникулы» как проявление этих тенденций в живописи. Дух соцреализма присутствует на обоих полотнах, но здесь тема государственная сменяется на тему более приземленную, конкретную – тему семьи, дома, быта. Тут появляется камерный соцреализм, отображающий жизнь простого человека с его радостями и проблемами. Многие художники писали картины в этом стиле – А. Лактионов («Письмо с фронта»), А. Солодовников («В советском суде»), М. Рудницкая («Девочка в саду»), Ю. Пименов («Лирическое новоселье» и «В комнатах») и пр. В этих картинах соцреализм представлялся с привкусом сентиментальности, мещанства, назидательности. Художники с огромным удовольствием рисовали трогательные картинки из жизни простого человека.

Соцреализм переживал последние десятилетия своего существования. Ему на смену стали приходить новые направления и стили живописи. В изобразительном искусстве появлялись новые имена. Одним из самых известных и влиятельных направлений станет андеграундное. Впоследствии именно оно пересмотрит сущность понятия искусства и представит его в своей интерпретации. Соц-арт представляет направление постмодернистского искусства. Его возникновение приходится на 70-е годы прошлого столетия. Сущность соц-арта заключалась в опровержении искусства соцреализма, развенчании политической идеологии, пронизывающей тотальную по своему воздействию культуру советского государства. Само название жанра складывается из двух терминов – социалистический реализм и поп-культура, объединенных в одно понятие. Такое название вызвало насмешку, даже сарказм. Искусство поп-арт возникло как альтернатива абстрактному экспрессионизму, использующему образы потребительских товаров. Если поп-арт был ответом на перенасыщение торговых рынков товарами разного плана, то направление соц-арт – ответ на перенасыщение идеологией в Советском Союзе.

Соц-арт возник как альтернатива официальной культуре советского государства. Его представители использовали разные методы и способы критики соцреализма. Высмеивались пустые, пафосные лозунги, приемы политагитационной работы, стремление внести политическую окраску в любое произведение искусства. В ироничном свете выставлялись символы, стереотипы соцреализма. В саркастической форме представители новой культуры пытались отстоять свободу творчества от засилья идеологических элементов, раскрепостить художника, предоставить ему творческую свободу. В гротескном виде художники соц-арта развенчивали образы великих вождей социализма, применяя «внехудожественные» приемы, показывали примитивность используемых в картинах советских художников сюжетных линий, приемов и методов для массового одурманивания людей. Они выступали против того, чтобы искусство зависело от идеологии, работало на политическую элиту. 

Создателями и соавторами соц-арт искусства называют А. Меламида и В.  Комара (после эмиграции они считались самыми известными художниками на Западе). Они считали соц-арт очень близким к поп-арту, распространенному в Америке. Единство находили в том, что обе культуры воздействуют на массы, на сознание человека, соц-арт – посредством идеологической пропаганды, поп-арт – через рекламу. Сравнение возможное, однако, необходимо отметить значительные отличия этого воздействия. Если в поп-арте рекламный объект создается, оформляется эстетически и в художественном исполнении преподносится потребителю, то в соц-арте применение идеологического инструмента направлено на его четкое, поступательное разрушение. Поп-арт дает возможность навсегда запечатлеть кратковременно существующий имидж, а соц-арт показывает недолговременность и слабые места существующей модели социалистического устройства. В этом главное различие двух «артов». Первый – созидательный, второй – разрушающий. Оба вида искусства присутствовали в культуре многих стран мира, в том числе и в России. Широко известны зарубежные художники Америки, Европы, которые являются представителями иностранного соц-арта. Конечно же, это направление не имеет никакого отношения к советской действительности.  Это искусство не построено на политических убеждениях, против которых оно ведет политическую борьбу. 

Основой мировоззрения в соц-арте является нигилистический релятивизм. А это значит, что данное искусство не признает никакого безапелляционного давления, навязывания чужой воли в любом виде. Оно выступает против культа в различном его проявлении, навязанном со стороны или созданном в себе. Можно сказать, что отвергается вера во все. Любое властное давление, унижающее человека, заставляющее исполнять чужую волю соц-арт отрицает, выступает против него, протестует. В своем арсенале борьбы представители этой культуры используют различные способы борьбы. Лицедейство, ирония, насмешка, бурлеск или травестия, мистификация – инструменты, используемые им для борьбы с культовыми проявлениями. Согласно требованиям жанра, культ трансформируется в реального человека. Это может быть политическая фигура (вождь, идеологический лидер, руководитель), духовный лидер (Христос, Будда), знаменитые личности в области искусства (Л. Толстой, В. Серов, М. Глинка). Образы с помощью художественных приемов рисуются в ироническом или гротескном свете. Но нужно отметить, что это не является элементом жанра карикатуры политической. Персонажи не наделены смешными, уродливыми элементами внешности, на них не рисуются шаржи, как это делают карикатуристы. Данное направление в живописи возникло из поп-арта, а поэтому, в соответствии с его принципами, соц-арт не фиксирует реальность в буквальном смысле слова. Он рассматривает действительность через «картинку», через ее иллюстрацию с помощью визуальных приемов. Если рассмотреть с точки зрения философии Ж. Деррида, для арт-искусства «внетекстовой реальности вообще не существует». И исходя из этого, можно сказать, что соц-арт совершенно не приемлет стилистически идеальный текст, так как в нем под красивыми фразами прячется насилие и тирания.

Искусство соц-арта подвергается частой и жесткой критике, его называют антиискусством. Основной причиной является неприятие художественно идеального «текста». Более того, соц-арт стремится сокрушить его. Причина, вероятно, заключается в том, что культы создаются и поддерживаются, прежде всего, благодаря искусству. Борьба ведется различными средствами и способами. Один из вариантов – изображение одного и того же образа в двух противоположных манерах одновременно. Второй вариант – использование несоответствия формы изображения сюжету. Например, изображение вождя, выполненное в бытовом стиле - в виде расписной матрешки, куклы-неваляшки и пр. - выглядят иронично и нелепо. 

Искусство соц-арта не считает необходимым представлять себя в таком свете, чтобы соответствовать эстетическим нормам. Более того, широко используется самопародирование и самоопровержение. В творческой деятельности представители соц-арта отказались от общепринятой пластической системы. В работах использовались нетрадиционные методы апроприации, разорванной формы, «плохой вещи».  Впервые концепция «плохой вещи» использовалась дадаистами в начале ХХ века. Они отвергали любые проявления эстетики. Данное течение просуществовало недолго. Но позже представители соц-арта обратились к этой теории вновь. Отвергая перфекционизм, они использовали понятие эстетики «плохой вещи» для демонстрации разорванности, «дырявости» в своем искусстве. Данный прием демонстрировал, что мастер не зацикливается на своем произведении, просто с его помощью стремится преподнести, охарактеризовать работу других авторов. Часто мастера соц-арта использовали такую форму творчества как коллаж. Произведение создавалось путем наклеивания на холст кусочков бумаги, ткани, прочих материалов. Интересным примером коллажа является «Поцелуй» В. Бахчаняна.

Отказ от применения пластической системы изображения полностью компенсируется чрезвычайным активным поведением художника, окунувшегося в социальную действительность, оторвавшись от картинного пространства. Вся теория соц-арта строится на основе перформанса, все творческое наследие соц-арт стиля является результатами перформансной деятельности. Практически всегда в своей работе автор говорит не от первого лица, а от имени героя, под чьим именем он предстает в «перформансе».  Этот персонаж является собирательным образом, выступающем в роли «плута», шарлатана, пройдохи, человека с двойственной натурой. Ему свойственны изворотливость, игра, обман, безнаказанность. Такой образ эксплуатировался мастерами соц-арта на протяжении длительного времени, дожил и до сегодняшних дней (фотографии творческой группы «Синие носы»). Его живучесть объясняется духовной схожестью с самим жанром соц-арта. Согласно теории К. Юнга, данный образ символизирует борца с тиранией, но борющегося не физически, а сообразительностью и хитростью.

Творчество художников стиля соц-арт не сосредоточено только на использовании пародии на существующую действительность и политических и духовных идолов. Необычное, отличное от установленных общественных норм общения в социуме поведение художника является также отличительной чертой мастеров соц-арта. Это поведение получило название «пересмешничество». Оно используется соц-артистами как защита и лекарство от тоталитаризма социалистического строя. Причем, в пересмешничество играет не только художник. Он привлекает и зрителя. Через стремление вызвать смех добивается того, что зритель вынужденно обращает внимание, воспринимает ироничные, представленные в виде пародии или нелепости, противоречащей здравому смыслу, образы.

Перформансные моменты, игровые приемы с глупыми шутками, саморепрезентация художника через глупость или кривляние на самом деле тесно переплетается с глубокими познаниями и применением в изобразительном искусстве направления глубокого научного и философского познания мира. Прежде всего, следует вспомнить о структурализме, который по-новому предложил посмотреть на художника, стили и направления в живописи, всю культуру в целом. Мастера соц-арта всегда считали себя исследователями в области культуры времен социализма. Используя теории К. Леви-Стросса и Р. Барта, они изучили богатое наследие и представили историю русского искусства прошлого века, советской культуры в виде трех больших составляющих «авангардизм – социалистический реализм – концептуализм». Художественные и экспозиционные концепции русских культурологов современности во многих случаях основываются на теоретических исследованиях представителей искусства, именуемого «соц-арт».

Произведения искусства в стиле соц-арт и соцреализм занимают особое место в коллекциях коллекционеров, учредивших нашу онлайн галерею «АVАНГАРДЪ» и по праву заслуживают особое внимание со стороны наших искусствоведов. Мы готовы выкупать работы художников, работающих в этом направлении, в день обращения, независимо от их стоимости. Мы выплачиваем до 70% от рыночной цены картин. Наши эксперты быстро произведут оценку картины и предложат цену за выкуп того или иного произведения живописного искусства. Воспользуйтесь нашей онлайн оценкой или бесплатным вызовом искусствоведа домой или в офис. Все способы связаться с нами вы без труда найдете в разделе «КОНТАКТЫ». Хотите узнать как продать картину? Звоните: +7 965 4 222 333