Продать картину
Оценка картин

© 2016 - 2019  Все права защищены

Авторские права

Карта сайта

НАШИ КОНТАКТЫ: 

+ 7 495 970 39 89

г. Москва, Маршала Жукова 54

ПОЛЕЗНЫЕ СТАТЬИ И ИНФОРМАЦИЯ: 

1/8

РУССКИЙ РЕДКИЙ АНТИКВАРИАТ

СКУПКА АНТИКВАРИАТА

Онлайн галерея «АVАНГАРДЪ» дорого покупает редкие и дорогостоящие антикварные предметы, такие как иконы в ювелирных окладах с эмалью и драгоценными камнями, авторские бронзовые фигуры, дворцовую мебель, а также произведения ювелирного искусства выдающихся русских мастеров. В данной статье более подробно рассмотрены направления нашей антикварной коллекции и, соответственно, предметов, которыми мы интересуемся.

ИКОНЫ

 

Изображения святых, обрамленные дорогими окладами, венцами, инкрустированными драгоценными камнями, и одеждой, расшитой жемчугом, представляют собой не просто сакральные реликвии. Их ценность состоит и в качестве произведений искусства, созданных русскими серебряниками периода XVII – XX столетий. 

Стиль барокко. Окончание XVII - начало XVIII века

 

Появление окладов на изображениях святых датируют средними веками. Изначально они включали в себя 4 платины, соединенных друг с другом методом стыковки. Наличие и особенности на иконе орнамента при этом не учитывалось. Ближе к окончанию XVII века возникли так называемые «трубы», которые образовывали рельефное объемное обрамление для изображения. Именно в этот период широкую популярность в Москве приобрело стилистическое направление барокко.

Венец представлял собой основной акцент в окладе. Написанная в XVII ст. «Богоматерь Казанская» является примером оформления венцов - в то время, как правило, их изображали в виде «короны». Уже в следующем веке размеры венцов были значительно увеличены, а также максимальным стало их украшение узорами. Довольно распространенными были и сплошные оклады, выполнение которых осуществлялось из цельного металлического листа, где делались специальные вырезы для ликов либо всего силуэта святых. Цаты и венец все так же относились к накладным элементам (Икона Казанской Богоматери). Рассматриваемая разновидность окладов почти всегда создавалась методом чеканки. 

Начало XVIII ст. характеризуется изменением и становлением техники декорирования, свойственной эпохе Петра. Небольшие частые узоры уступили место массивным орнаментам барокко, пришедшего из Европы. Произошло изменение и классического оформления в виде вьющихся растений. Такие узоры стали отличаться большей натуральностью, естественностью и гармоничностью (изображение Господа Вседержителя). 

Стиль рококо. 1750-1775 годы

В рассматриваемый период главенствующая роль стала принадлежать стилистическому направлению рококо, которое характеризуется постепенным становлением орнаментальных техник. В декорировании икон рококо выразилось совокупностью отличительных характеристик, объединенных с уже привычными растительными орнаментами. К особенностям узоров третьей четверти XVIII ст. можно отнести большую фрагментарную самостоятельность деталей орнамента, в целом составляющих единую сложную композицию. Кроме этого, структура узора была представлена преимущественно одной крупной акцентной деталью, вокруг которой располагались менее значительные и броские части орнамента. 

Классицизм. Конец XVIII века
 

Следует подчеркнуть, что в чистом своем проявлении направление рококо не было отражено в иконописи. Это обусловлено тем, что этот стиль частично дополнялся барокко, а несколько позднее его разбавили разнообразные признаки только возникающего классицизма (как пример, можно представить икону "Богоматерь Знамение"). Помимо цветочного орнамента, узор обогатили многочисленные ветви пальмового дерева, банты и другие новые элементы. Объединение и совместное использование серебряниками сразу нескольких стилей не позволяет отследить, превалирование какого стиля было наибольшим в декорировании икон. Характерные черты классицизма нашли свое выражение в золочении оклада, применении накладок, украшенных драгоценными камнями и т.п. Большая часть окладов в рассматриваемом периоде выполнялась методом чеканки, поскольку она в наибольшей мере соответствовала направленности рассмотренных стилей в установлении объемов.

Развитый классицизм. Окончание XVIII – первая четверть XIX века
 

Художественные способности и мастерство серебряников в России к окончанию XVIII ст. стали намного выше, что видно по их работам за указанный период. Декорирование всех окладов представлено классическим орнаментом с использованием лозы винограда, который дополняли вставки традиционных узоров: различных гирлянд и завитков. 

Ампир. Начало XIX века 
 

Рассматриваемое стилистическое направление принято относить к последнему этапу классицизма. Для ампира характерна обработка икон методом чеканки, где предусмотрены совсем небольшие вырезы. Основной декоративной техникой выступает совмещение массивных плоскостей, а также глянцевого и матового серебрения определенных элементов иконы. Сравнительно с орнаментами, характерными для окончания XVIII ст., величина повторяющихся деталей при декорировании в стиле ампир уменьшилась (как пример, икона "Несение Креста"). Более интересной и фактурной стал декор расположенных рядом фрагментов, чему способствовало применение полировальной техники, канфарения, уже известной чеканки и других приемов. «Святитель Димитрий Ростовский» выступает ярким примером декорирования икон в стиле ампир. 

Середина XIX века 
 

Культура рассматриваемого периода характеризуется выраженной эклектичностью, поскольку отличается объединением различных стилей в одно целое. В середине XIX ст. декорирование икон предусматривало совмещение стилей барокко и рококо. В частности, мастера брали отдельные элементы декора, характерные для рассматриваемых стилистических направлений, и гармонично вплетали их друг в друга. Использование отличительных черт барокко может выступать своеобразным ответом на скудное оформление окладов во время ампира. В 1850-е годы именно совмещение заимствований из барокко и ренессанса превалировало в декорировании церковных изображений. (икона "Богоматерь Днепрская"). Являясь относительно однотипными, такие узоры могут смотреться совершенно по-разному в зависимости от способа комбинирования. 

Русский стиль. Конец XIX века
 

Характерные черты «русского стиля» достаточно разнообразны. В 80-90-е годы XIX века в качестве символов государственности и российской культуры принимали московские и ярославские памятники. В этот период оклады икон часто декорировали цветной эмалью. Кроме этого, окончание XIX ст. отличается повышенным вниманием к византийскому наследию. Среди его особенностей можно выделить большие, спиральные побеги, которые вызывают ассоциации с орнаментом, характерным для средних веков. Декорирование иконного оклада в русском стиле предполагает формирование броских акцентов в двух местах, среди которых венец и рама. Цветовая гамма фона не отличалась яркостью и насыщенностью, а была, преимущественно, нейтральной ("Казанская Богоматерь"). При помощи различных заимствований, мастера создавали уникальные оклады для изображений святых, которые характеризовались оригинальностью декорирования и единством оформления. 

Модерн. Окончание XIX – первая четверть XX века
 

Целью модерна выступало такое декорирование иконы, которое бы гармонично вписывалось в образ и подчеркивало его. Начальный этап становления рассматриваемого стиля отличается национальной самобытностью. Его называют нео-русским направлением модерна. Предпосылкой к его возникновению стала работа абрамцевского художественного объединения, обусловившая проникновение сюжетов из эпоса и былин в различные формы выражения творчества, в том числе и его орнаментальные проявления.  Ретроспекция все также присуща модернистской стилистике, что делает ее ближе к историзму XIX века. Непосредственная близость между разными стилями отражает отличия между броским декорированием эмалью и простотой оформления, сравнимой с творениями периода ампира. 

Троицкие эмали XVIII-XX века

 

Эмаль, предназначенную для декора окладов, принято называть «финифть» (от греч. «камень с блеском»). В начале XVIII ст. уровень финансовой состоятельности Троице-Сергиева монастыря был очень высоким. Под покровительством царя, мастера из Троицка активно изучали ремесло финифти. Нужно отметить, что в указанном искусстве они достигли значительных высот. Среди множества работ умельцев из Троицка за этот период, остались преимущественно, эмалевые пластины, украшающие дорогостоящие предметы. 

Одним из мастеров, труды которого оказали большое влияние на развитие Троицкой художественной школы, стал Павел Казанович, служивший в монастыре иеромонахом. Он не оставлял на своих творениях подписи, однако его уникальный стиль несложно было отличить от других работ. Казанович являлся организатором и руководителем поездок умельцев из Троице-Сергиева монастыря в Санкт-Петербург с целью обучения искусству живописи. В качестве яркого примера мастерства финифти можно представить декор оклада Святого Писания от 1757 года, представленный расписными вставками из эмали.

Финифть служила украшением многих дорогостоящих предметов из жизни монастыря: священных книг, митры, окладов икон и пр. Это искусство поощрялось и самим Митрополитом Платоном. Именно его указ стал основой для образования финифтяного монастырского объединения. Ближе к окончанию XVIII ст. финифть стала терять свою популярность в декоре. Это обусловлено тем, что самостоятельное производство эмалированных деталей декора было менее выгодным, чем перепродажа уже готовых товаров. Троицкий монастырь теперь покупал расписной декор в Ростове, хотя некоторые умельцы все же занимались финифтью в Лавре. В XIX ст. финифтяные изделия отличались своим разнообразием. Отдельно следует отметить иконы, которые выделяются на фоне остальной ростовской продукции интересными техниками живописи. Примером такой иконы может послужить творение «Преподобный Серафим Саровский», датированное первой четвертью XX ст. 

РУССКАЯ КАБИНЕТНАЯ БРОНЗА

 

Рассматриваемый вид отечественного искусства занимал в истории нашего государства совсем непродолжительный период – 40 лет (начиная 40-ми и заканчивая 80-ми годами XIX ст.). Возникновение кабинетной бронзы ассоциируется с именем Петра Клодта, который считается основоположником рассматриваемого направления. Наиболее известными представителями этого вида искусства являются следующие мастера: В. Грачев,  Ф. Ходорович, Е. Лансере,  П. Трубецкой, Н. Либерих и прочие.

Широкой известностью в XIX ст. обладал талантливый скульптор Евгений Лансере. Как правило, он занимался созданием не слишком больших работ и не ограничивался какой-либо одной тематикой. До нас дошли целые коллекции его скульптур, посвященные военному жанру, стилистике разных стран, охоте, истории, а также портретам. Мастер не использовал каких-либо трафаретов либо шаблонных техник при создании своих творений. Он вкладывал душу в каждую фигуру, прилагая максимум усилий, чтобы передать основную мысль и идею работы. Одновременно с этим, его творчество было пронизано индивидуальностью, самобытностью и особым авторским почерком. 

Отдельного внимания заслуживает передача Лансере сюжетов деревенской жизни России, среди которых самыми известными являются скульптуры: «Крестьянин верхом», «Чумак», «Чабан», «Овечий пастух» и пр. С необычайной точностью переданы сцены из быта жителей отдаленных районов Башкирии, Киргизии и Кавказа, выраженные в таких работах, как «Джигитовка», «Ловля дикой лошади», «Кумыс» и во многих других. Все скульптуры Лансере отличаются неповторимостью, энергичностью и естественностью. Они с потрясающим сходством передают настоящую жизнь простого народа.

Мастер очень любил лошадей, поэтому многие его работы отражают красоту этих животных. При этом Лансере не просто до мельчайших деталей передавал внешний вид изображаемого любимца, но и стремился отразить в скульптуре темперамент и особенности его характера. Во многих скульптурных композициях подчеркивается цельность и гармония тандема человека и коня, что делает их похожими на бронзовый антиквариат периода Возрождения. Точка зрения относительно того, что мастер работал исключительно с фигурами и образами лошадей не имеет с правдой ничего общего, поскольку он с такой же отдачей и реалистичностью ваял верблюдов, коров, собак и прочую живность. Каждая его скульптура цепляет зрителя за живое и имеет намного большую ценность и значение, чем обычный антиквариат.

С таким же профессионализмом Лансере передает и сюжеты с участием людей. В его работах отсутствует вычурность и резкость, даже фигуры, изображающие тему войны, отличает поэтичность и изящность. Скульптуры военной тематики характеризуются душевностью, печалью и драматичностью. Естественностью и простотой пронизана его скульптура «Переход через Балканы». Восхищение, смешанное с эмоцией страха, вызывают композиции «Атака казака», «Черкес» и «Абрек». Результатом творчества Евгения Лансере стали свыше четырехсот скульптур. Многие творения скульптора находятся в Петрограде, часть – в Санкт-Петербурге, другие – в некоторых музеях и частных коллекциях. Лансере обладал редким художественным вкусом, профессионализмом, тонкостью души и развитым воображением, что наделяло его работы той уникальностью, которая отличает творения гениев. Отсутствие в его скульптурах вычурности, пафоса и шаблонных идей подтверждало незаурядность и исключительный талант скульптора, поэтому сделанные его рукой бронзовые фигуры, являются настоящей драгоценностью любой антикварной коллекции.

РУССКАЯ ДВОРЦОВАЯ МЕБЕЛЬ

 

Вплоть до XVIII ст. мебель Российской империи не отличалась интересным дизайном и декором, что можно сказать и о мебели, использовавшейся в средние века в Западной Европе. Тем не менее, уже в XVII ст. в царский дворец были привезены столы из Польши и Германии. При этом росписью таких столов занимались умельцы из России. Князь Голицын также предпочитал заказывать мебельные гарнитуры у заморских мастеров. В 60-е годы XVII ст. в Москву для изготовления дорогостоящей мебели были приглашены немецкие столяры, применявшие в своей работе технологию фанерования и художественной резки. Во время распространения стиля барокко, аристократия Санкт-Петербурга делала заказы на шкафы в Гамбурге и Данциге, а кожаные кресла для русской знати, как правило, делали испанцы. 

В первой четверти XVIII в. мастера Северной столицы изготавливали мебель по английской технологии. Согласно с вынесенным Петром указом, в рассматриваемый период столярам было велено мастерить справа от Невы жилье и заселять места, где прежде находилась крепость шведов Ниеншанц. По данным из исторических документов, в 20-30-е годы XVIII в. умельцы из России, после обучения в Голландии, стали делать деревянную мебель (так называемую, маркетри), однако дорогие вставки из бронзы ими пока не использовались. После визита известного архитектора из Франции А. Леблона в Российскую империю, совместно с которым прибыло множество других мастеров, российское мебельное производство вышло на новый уровень. Леблон открыл в Северной столице 18 студий по изготовлению мебели, которая пользовалась у знати заслуженной популярностью. Дворцовые залы продолжали украшать и привезенной мебелью: столы и стулья везли из Англии, а на стенах красовались венецианские зеркала. 

Среди искусных столяров Германии этого периода можно отметить Андрея и Христиана Мейеров. Настоящим умельцем маркетри заслуженно считался М. Я. Веретенников. Особым расположением Екатерины II пользовались французские столяры Д. Рёнтген и Ж. Ризнер, особенностью работы которых было сочетание бронзы с красным деревом. Нужно сказать, что подобную мебель производили и российские умельцы, все же сохраняя за ней название «рёнтгеновской». На протяжении XVIII столетия имели место разные стадии становления мебельного производства в Российской империи. По словам экспертов, их смена обусловлена изменением стилистических тенденций в западноевропейских государствах, которые существенно повлияли на все сферы российского искусства. Здесь стоит принять во внимание важную деталь: мебельные гарнитуры, выполненные русскими мастерами в стиле рококо зачастую неотличимы от предметов мебели барокко, поскольку в Российской империи данные стилистические направления были популярны приблизительно в один и тот же временной промежуток.

Традиционным украшением мебели в рассматриваемый период было наличие множества крупных резных деталей, как правило, окрашенных в золотой цвет. В качестве яркого образца  можно привести подстолье, выполненное с использованием техники резки. В качестве опоры у него сделаны три массивные резные ножки, выкрашенные в зеленый, золотой и красный цвета. Во времена правления Петра Iпозолоченная резная мебель была все так же популярна, как отделка из яркого бархата и стулья с длинными спинками. Тем не менее, на данном этапе можно заметить смещение акцентов к повышению функционального компонента производимой мебели.

Изменение жизненного уклада, новые интерьерные решения привели к возникновению других разновидностей мебели, способов освещения и иных предметов обстановки. Невзирая на то, что большая часть состоятельного сословия предпочитала заказывать мебель за рубежом, русские умельцы не отставали и активно осваивали модные техники мебельного ремесла. Образцы российской мебели в рассматриваемый период представляют собой сочетание традиционных привычных деталей с элементами новой западной моды. К примеру, нередко можно было встретить кресла либо стулья, опорой которых выступали утолщенные сверху ножки с выраженным изгибом, завершением которого являлась лапа либо другой необычный предмет.

Характерными чертами мебели первой четверти XVIII столетия выступает громоздкость, смелые формы, подчеркнуто выраженные переходы от утолщенных частей к зауженным деталям. Особую роль в интерьере играют разнообразные по размерам и функциям шкафы. Стилистическое направление барокко в архитектурных решениях Российской империи наиболее полно выразилось в период, когда во главе государства стояла императрица Елизавета. Известнейшим архитектором того времени, работы которого до сих пор восхищают ценителей по всему миру, является Бартоломео Растрелли. В 1754 году архитектор начал возведение одного из своих самых удачных и знаменитых сооружений – Зимнего дворца, расположенного в Северной столице Российской империи. В 1762 году работа над зданием была завершена, и мир увидел гениальное творение, символизирующее силу и мощь русского государства. На сегодняшний день большая часть дворцовой мебели, которая была создана в рассматриваемый период, не сохранилось. Основная ее доля была утеряна во  время с 1941 по 1945 годы, другие предметы интерьеры уничтожили пожары революционных и военных лет.

Середина XVIII столетия отличается кардинальным изменением мебельного дизайна. В частности, место массивных громоздких столов из дуба теперь занимают более утонченные и легкие столики, выполненные из красного дерева. Кроме этого, возникают новые виды мебели, среди которых каминные экраны, напольные осветительные приборы, туалетные, игральные и рукодельные столы, комоды и пр. Декорирование мебели осуществляется преимущественно техникой резьбы, которая все так же, как и ранее, окрашивается разными цветами либо покрывается позолотой. Особенности интерьера ассоциируются по большей части со стилем барокко. Помимо декора из дерева, распространены украшения из бронзы. В качестве материалов для обивки применяется бархатная ткань и крашеная кожа.

После 60-х годов XVIII века в крупных городах Российской империи начинают возводиться новые здания. Их архитекторами стали такие известные мастера, как И. Е. Старов, Ч. Камерон, М. Ф. Казаков, а также множество других талантливых личностей. Специально для новых сооружений производятся мебельные гарнитуры, разработанные и созданные не только зарубежными, но и российскими столярами. Нужно отметить, что уровень развития отечественного столярного дела ближе к окончанию XVIII века достиг небывалых ранее высот. Интерьер возведенных домов и дворцов, так же, как и мебель, претерпел определенные изменения. Так, резьба больше не служила украшением для стен, которые теперь декорировались текстилем и колоннами.

Оформление интерьера в стиле барокко в Российской империи, как и везде, было прерогативой лишь привилегированных сословий, что вполне объяснимо дороговизной материалов, пышностью и роскошью - неотъемлемыми элементами данного направления. Несмотря на характерное для современности повсеместное увлечение винтажными идеями и предметами, барокко не пользуется особой популярностью в сегодняшних интерьерах. Это объяснимо чрезмерным обилием деталей и вычурностью, которые не только не несут в себе никакой функциональности, но и зачастую указывают на отсутствие хорошего вкуса у дизайнера. Тем не менее, применение отдельных элементов данного стиля при грамотном подходе может очень гармонично подчеркнуть и современные интерьерные сюжеты.

РУССКИЕ МАСТЕРА ЮВЕЛИРНГО ДЕЛА

 

Производство И. П. Хлебникова, 1871 - 1917 годы

 

Фабрика Хлебникова известна множеством чудесных работ, однако о самом Иване Петровиче информации достаточно мало. По имеющимся данным, у отца И.П. Хлебникова было собственное производство ювелирных изделий, в котором еще подростком начал свой профессиональный путь Иван. После смерти отца, фабрикант стал не просто продолжателем фамильного дела, но и вывел его на качественно новый уровень. После исполнения 52 лет, И. П. Хлебников решился открыть ювелирную фабрику в Москве. Его производство ждал стремительный успех. Уже через год после открытия, услугами фабрики стали пользоваться члены царской семьи, а через два года – творения Ивана Петровича получили известность в европейских странах. По результатам Международной выставки ювелирных изделий, состоявшейся в Вене в 1873 году, Хлебников был награжден двумя медалями. Ювелир выбирал для своих магазинов самое лучшее расположение – главные улицы столицы, Санкт-Петербурга и других крупных городов Российской империи. Количество рабочих на фабрике превышало сто человек. При фабрике состоялось открытие школы рисования и скульптурного мастерства.

По состоянию на 1877 год Хлебников был постоянным поставщиком ювелирных изделий во дворцы Сербии, Черногории, Нидерландов, Дании и, безусловно, Российской империи. В 1879 году И.П. Хлебников был официально признан поставщиком Царского Двора, после чего был наделен привилегией наносить на выпускаемую продукцию рисунок государственного герба. В 80-й год XIX ст. производственные масштабы выросли, и предприятие стало еще технологичнее. Численность штата также возросла до трехсот человек, которые специализировались на работе с драгоценными металлами в самых разных техниках. С учетом расширения производственной деятельности, а также присоединения к семейному делу сыновей Ивана Петровича, предприятие стало называться «И. П. Хлебников с сыновьями и К°».

В 1881 году известный ювелир умер, оставив миру не только множество ювелирных шедевров, но и предприятие, развитие которого продолжилось и после смерти своего основателя. Фабрикой И. П. Хлебникова теперь руководили его сыновья, не прекращая выпуск ювелирной продукции и собирая заказы на украшения от покупателей со всего мира. После расширения предприятия в 1887 году, его название было изменено на «Товарищество производства ювелирных изделий И. П. Хлебникова, сыновья и К°». Теперь его организационной формой стало акционерное общество. В состав Товарищества также вошла фабрика и торговые точки предприятия Сазикова, расположенные в столице и Санкт-Петербурге. В целях усовершенствования производственного процесса, организация решилась на прогрессивный для рассматриваемого периода шаг – приобретение нескольких паровых машин и парового котла. В 1917 году большевистские движение настояло на закрытии предприятия, которое уже через год было национализировано и переделано в «Платиновый завод».

В 1881 году известный ювелир умер, оставив миру не только множество ювелирных шедевров, но и предприятие, развитие которого продолжилось и после смерти своего основателя. Фабрикой И. П. Хлебникова теперь руководили его сыновья, не прекращая выпуск ювелирной продукции и собирая заказы на украшения от покупателей со всего мира. После расширения предприятия в 1887 году, его название было изменено на «Товарищество производства ювелирных изделий И. П. Хлебникова, сыновья и К°». Теперь его организационной формой стало акционерное общество. В состав Товарищества также вошла фабрика и торговые точки предприятия Сазикова, расположенные в столице и Санкт-Петербурге. В целях усовершенствования производственного процесса, организация решилась на прогрессивный для рассматриваемого периода шаг – приобретение нескольких паровых машин и парового котла. В 1917 году большевистские движение настояло на закрытии предприятия, которое уже через год было национализировано и переделано в «Платиновый завод».

Характеристика ювелирных работ И. П. Хлебникова

 

Продукция фабрики Хлебникова выпускалась преимущественно в русском стиле, подчеркнутом пластичными элементами модерна. Национальные узоры, нанесенные эмалью, напоминали густую разрисовку кистями либо мозаичную композицию. Данный способ декора широко применялся при украшении столовых приборов, шкатулок, табакерок, принадлежностей для письма и прочее. Наиболее распространенными формами посуды были чаши и ковши, материалом для которых чаще всего выступало серебро. Большой популярностью пользовалась утварь, выполненная в виде необычных предметов (избушек, разных животных, птиц и пр.). Также широко использовалась историческая и военная тематика времен Ивана Грозного. Тонкостью исполнения и тщательной проработкой даже самых мелких деталей отличались скульптуры из серебра, передающие сюжеты из жизни крестьян. Самым искусным мастером чеканного ремесла на предприятии был Пучков, который с удивительной точностью передавал линии тела, одежду и волосы изображаемых людей. 

Фабрика Хлебникова собрала лучших российских умельцев, преуспевших не только в чеканке, но и в работе с эмалью. Их вполне оправданно считали конкурентами даже П. Овчинникова, который считался лучшим мастером эмальерного дела. Большинство работ было декорировано миниатюрами именно посредством росписи эмалями. Простые изделия из серебра, не украшенные дополнительно изысканным декором, имели такое качество выполнения и такую красоту форм, что спрос на них иногда опережал предложение. Два подобных предмета находятся на выставке антиквариата Лермонтова: серебряный подстаканник, декорированный традиционным национальным орнаментом, и ложка из серебра с гравировкой.

Отдельного внимания заслуживают предметы, изготовленные мастерами фабрики Хлебникова для богослужений в православных храмах. Они воплощают собой сочетание высокой техники выполнения, оригинальности идей, а также глубокого знания церковных обрядов. Чеканные узоры иконных окладов, кадил, инкрустированных драгоценными камнями и расписанных эмалью, отличаются соединением роскошного убранства со строгостью. Подобные шедевры являются для истинно верующих христиан олицетворением ценности их веры и красоты ее таинств. Предприятие Хлебникова было высоко оценено первыми лицами государства, что подтверждается многократными заказами со стороны Кремля. В частности, среди таких заказов можно выделить предметы для проведения богослужений в храме Христа Спасителя, оформление иконостаса в Благовещенском соборе и декорирование икон в Успенском соборе украшение иконостаса в уделе Дмитрия Солунского.

Ювелирная продукция Фаберже

 

Гениальный ювелир Карл Фаберже родился 30 мая 1846 года. Его имя известно на весь мир, как одного из самых искусных мастеров, работавших с дорогостоящими металлами и камнями. В 1842 году в Северной столице Российской империи состоялось открытие маленькой мастерской, которую возглавил отец карла Фаберже - Густав. Он хотел, чтобы ювелирное ремесло стало семейным делом, и даже не представлял, до каких масштабов разрастется их компания. По велению отца Карл отправился изучать ювелирное мастерство в Европу, где одним из его учителей стал сам Йозеф Фридман. После возвращения в 1870 году на Родину, молодой ювелир стал во главе отцовской мастерской. У Карла было редкое видение прекрасного и тонкий вкус. Его знания не ограничивались работой. Фаберже обладал широкой эрудицией, хорошо разбирался в мировой культуре и прекрасно подбирал лучших умельцев для своей фирмы. Он доводил до идеала не только свои изделия, но и футляры к ним, поскольку знал, что такие мелочи создают общее впечатление о работе.

«Ювелир Императорского Величества»

 

При проведении Всероссийской художественной выставки в столице в 1882 году, сам император восхитился творениями фирмы Фаберже. На тот момент заслужить такое расположение государя среди сотен конкурентов было настоящей удачей и, несомненно, подтверждением высшего мастерства. Теперь Карла Фаберже заслуженно стали называть «ювелиром Императорского Величества», что наделяло его правом помещать рядом с наименованием ювелирного дома государственный герб. Этот символ говорил о том, что качество выпускаемых изделий находится на самом высоком уровне.

Новый этап ювелирного дома Фаберже 

 

Именно после получения расположения Александра III начинается новый этап развития компании Фаберже. Теперь сеть мастерских и торговых точек ювелирного дома расширилась и заняла многие крупные города не только Российской империи, но и других стран.  Продукция Фаберже не ограничивалась ювелирными украшениями. В частности, ассортимент знаменитой компании включал также известные на весь мир императорские яйца, многочисленные сувенирные изделия, декор для тростей, портсигары, футляры для косметики и т.п. По-настоящему популярным ювелирный дом Фаберже стал в 80-х годах, теперь продукция фирмы отличалась своим неповторимым узнаваемым почерком. Ювелирные изделия Фаберже часто преподносились в подарок членам королевских и императорских семей, а Карла удостоили титула «Мастера Парижской Гильдии Ювелиров». 

Уникальность Фаберже

 

Невозможно отнести продукцию Фаберже к какому-либо одному художественному стилю, поскольку в ней гармонично сочетаются такие направления, как модерн, готика, неоклассицизм, ампир и пр. Полагать, что секрет изящества и ценности изделий Фаберже кроется в дорогостоящих материалах, было бы ошибочным. Карл и его ювелиры умели чувствовать саму идею своих творений и наделять их необъяснимым величием и красотой.

Декорирование продукции в «русском стиле» - одна из самых сильных сторон и отличительных особенностей Фаберже. Чарки из серебра, инкрустированные драгоценными камнями, и украшенные бриллиантовой россыпью кокошники приводили жителей других стран в настоящий восторг. Фирма Фаберже широко применяла в своих изделиях сочетание различных по типу и цвету драгоценных камней. Кроме этого, мастера Фаберже делали роскошные иконные оклады, декорировали кресты и другие предметы, предназначенные для проведения богослужений в храмах Кремля. Такие работы исполнялись в старорусской стилистике с применением декора из эмалей, скани и сложных орнаментов.

Интересуетесь скупкой антиквариата? Хотите дорого продать редкие произведение прикладного искусства? Напомним, наша галерея осуществляет выкуп картин, предметов искусства и коллекционирования. В кратчайшие сроки и по максимально высокой цене мы покупаем: старинные картины русских мастеров, авангард начала ХХ века, авангардные работы 60-х годов ХХ века, соцреализм и соц-арт, а также русский антиквариат до 1917 года и европейские бронзовые фигуры в стиле арт-деко. Все это мы покупаем быстро и дорого! Поверьте, мы знаем толк в искусстве и реальные цены на предметы коллекционирования, потому что мы не только постоянно исследуем рынок, но и работаем на нём. Звоните: +7 965 4 222 333